domingo, 9 de junio de 2013

AEROGRAFÍA E HIPERREALISMO

La Aerografía y el Hiperrealismo




Siempre se han llevado bien.



Redactado por 
José L. Parada C.
Director Fundador
Action Art  Europe
Escuela de Aerografía
Bellas Artes
WWW.ACTIONART.ES


Antes de revolver, aclaremos los conceptos, a fin de poder entender bien como una cosa completa la otra sin dejar de ser ellas mismas.


La aerografía es una técnica de ilustración mecánica y versátil, el hiperrealismo es una tendencia de la Pintura, es decir que es correcto de decir que se puede hacer hiperrealismo con aerografía o hacer aerografía hiperrealista, pero lo contrario no.



En principio el hiperrealismo es una tendencia bastante radical dentro de la Pintura realista del estilo clásico, muy medido, analizado, pensado y cuidadosamente elaborado, surgió en la Norteamérica de los años 70´s y tan solo se propuso a retar a la fotografía sin la más mínima variación, el fotorrealismo podría confundirse con el mismo concepto, siendo la diferencia entre el hiperrealismo y el fotorrealismo el hecho de que la segunda “esfuma” la pincelada a toda costa, sin dejar huellas de trazos ni aplicaciones. Es como si el artista desapareciera del concepto de su propia obra para darle paso a lo impresionante exclusivamente, copiado la realidad en tal semejanza que endurece la crítica del arte contemporáneo que justamente, disgrega de ella.





Muchas son las críticas que siempre han recibido los artistas del realismo, debido al hecho de que pareciera que insisten únicamente de lucir tácitamente su increíble capacidad de asombrar y destacarse en su nivel técnico, sumado a la ausencia de libertad absoluta que está atrapada en las formas, las demás tendencias de la contemporaneidad reclaman en los realistas la falta de disgregación del concepto, que no puede expandirse más que el la cruda realidad de figuras y sus juegos de luces y sombras, puro efecto, nada más. 






Para los críticos eso no es más que una copia seca y sin elementos sublimes, y a los hiperrealistas se importa un bledo lo que los psicóticos y existencialistas artistas de la plástica tengan de decir de lo que no son capaces de hacer o aceptar por juzgarlos de elitistas y clasistas. Sin embargo, y por lo general, los pintores realistas siempre terminan convirtiendo sus objetos pintados en símbolos de su insconciente, y a modo del más abstracto de los pensamientos, dejan sembrado una paradójica semejanza con sus colegas los plásticos, ya que los pintores contemporáneos esconden toda su intención en una expresión sin forma, y los otros todo lo contrario, esconden el símbolo dentro del objeto.





Sin embargo, el realismo tiene millones de adeptos, y miles son también los que luchan por alcanzar ese nivel técnico tan envidiable por quienes no pueden copiar la realidad al soporte tal cual es. Los realistas tienen la facultad de controlar su abstracción, limitando su inspiración y su proceso creativo a desafiar los límites de la naturaleza y encarcelarla dentro de la línea en el soporte. Luego de ganar, van a por más.






Los realistas pudieran ser “iconoclastas” porque no pueden inspirarse más que por la exigencia técnica que para ellos es un reto a vencer, y que está en la imagen fotográfica que los inspira. Otros artistas ni siquiera piensan en ello se inspira por cualquier cosa que solo ellos dicen entender, sufrir o convivir.



Paradójicamente, los pintores del realismo ejercen un grado de conceptualismo bastante frío y duro. Aún así, queda plasmada la diferencia entre el objeto real y su imagen pintada: lo real trasladado al soporte con ayuda de la fotografía, forma parte del proceso de la realidad del cuadro mismo, quedando roto, es decir, manipulado por el artista dos veces para alcanzar su fin, uno es el cuadro final, y el otro fue su origen en la fotografía que contenía la imagen de referencia que lo inspiró, y que el artista atrapó, plasmando la escena de la realidad que quería copiar, de allí queda claro la diferencia entre el fotorrealismo y el realismo tradicional, que plasma en el soporte al modelo del vivo en varias sesiones.




En el caso de la aerografía y su proceso evolutivo, y dentro de sus estilos y tendencias, no escapó, gracias a la ilustración comercial y editorial entre 1920 a 1987. Y su consecución de  manera independiente en el presente, a formar parte del fotorrealismo por lo fácil que resulta “esfumar” sus aplicaciones sin dejar ver el trazo del artista que los usa.





Para no pretender acaparar de nuevo la historia de la aerografía, no centraremos en vincularla al presente, ya que el realismo “fantástico” de la aerografía, es un elemento plástico casi inseparable de la propia técnica, ya que de por sí, la aerografía siempre ha tenido un elemento surrealista por naturaleza y jamás con la intención de que así fuera.




Para alcanzar ese nivel, la aerografía cayó en manos de artistas del realismo, que como explicamos ya en su historia, la impulsaron notoriamente durante los años 90´s, y fue tal su implantación comercial, que desde entonces este tipo de aerografistas se diferencian muy bien del resto de artistas del Kustom y otros por el estilo. En muchos de los casos, los artistas que decidieron hacer fotorrealismo con la aerografía, ya tenían conocimientos previos de escuela o de academia, con lo cual, fue aprender aerografía para completar lo demás.






¿Qué requiere un aerografista para crear imágenes de impactante realismo?



F O R MA C I Ó N

Da mucha gracia la insólita, descarada e insolente afirmación de que un aerografista que pinta realismo se hizo solo y de forma autodidacta. En lo personal, esa época en la que un artista escondía las fuentes de sus estudios y formación por pretender ser el número uno, y que nadie le robe sus ideas o pretendan que nadie se atreva a ser mejor que él, dan asco y pena, porque representan una generación, que cerrándose a si misma, se igualan con los dinosaurios, que terminaron comiéndose los huevos de sus propias crías cuando les cayó el meteorito, se exterminaron a sí mismos y se quedaron en la tumba de la prehistoria. Me alegra que esos sujetos mantengan su anarquía, me encanta la seguridad con la que defienden su necedad, y me parece gracioso que se piensen que hay estúpidos que se lo crean, mientras los que evolucionamos seguimos adelante.





Un aerografista que quiere  tener nivel haciendo realismo necesita cuatro cosas:



1) Dibujo

Lógicamente, quien no dibuja, no diseña, no analiza, no ve y no crea. Cuando se aprende a dibujar, automáticamente se desarrolla la capacidad de plasticidad, proporción, encuadre, composición (unidad en la multiplicidad, zona áurea, punto de oro, movimiento, ritmo), valoración (claroscuro y volúmenes), texturización (tramados), dimensión, perspectiva (proyecciones y puntos de fuga). Tan sencillo como eso. Quien no ha oído nada de esto, simplemente no sabe ni de lo que estoy hablando.
Hasta hay que aprender a calcar, ¿No me creen? Vale, calquen una figura, píntenla y luego pongan la referencia original a ver ¿Cómo les quedó? Y si no se comieron los detalles y ¿A ver cómo los van a sacar?




2)  Color
  
El color es un tema muy, pero que muy serio. Además de respetar las leyes del dibujo, convertir la luz y sus valores en una idea, que mezclándola con el pigmento, y conociendo su reacción, les va a dar un resultado exacto a la interpretación de la foto que están copiando al soporte. Sin saber realmente cómo se hace ¿Ya los quiero ver?





3) Técnica

Es cuando la aerografía pone los puntos sobre la íes. Se puede perfectamente aprender aerografía sin saber nada de los anterior, pero que bueno sería saberlo todo y bien ¿verdad?




4) Un Maestro




Aunque debería estar en el primer lugar de la lista, seamos modestos, y reconozcamos que se puede aprender algo de lo anterior por métodos distintos a los presenciales, Internet, dvd, tutoriales, YouTube ect…
Pensemos que con esto es suficiente (Cosa que yo, no me creo) pero pensemos que hay genios que con ver tienen. Cuando nuestros conocimientos no van más allá de algo que ya nos parece bien, y luego de un tiempo, parece que estamos pintando siempre lo mismo, que queremos otra cosa que podría mejorar ( quitando del medio a los sabelotodos que con dos cosas ya se creen sobrados) comienza una sed constante de cambiar, es entonces cuando buscamos “y pagamos” a un especialista o Maestro en su estilo, de esa manera es la única forma de superarnos a nosotros mismos.



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